Helene

Helene: Amor al arte

· Crítica de Helene | Disponible en Filmin.
· El guión de Jokinen y Marko Leino deja constancia de la injusta desventaja profesional, social y familiar de Schjerfbeck como artista.

La glosa biográfica de las artistas plásticas es un campo temático de creciente atención cinematográfica. Son recurrentes las semblanzas sobre la escultora Camille Claudel: La pasión de Camille Claudel (Bruno Dumont, 1989), Camille Claudel 1915 (Bruno Nuytten, 2013), Rodin (Jacques Doillon, 2017). Títulos como Carrington (Christopher Hampton, 1995), Séraphine (Martin Provost, 2008), Paula (Christian Schwochow, 2016), o los documentales La mirada de Ouka Leele (Rafael Gordon, 2009), La pintora y el ladrón (Benjamin Ree, 2020), Artemisia Gentileschi: artista guerrera (Jordan River, 2020), se acercan asimismo a otras tantas creadoras.

Helene es una reciente aportación escandinava, producida, escrita y dirigida por el cineasta finlandés Antti Jokinen (1968). Realizador forjado, como David Fincher, en el videoclip musical, se ha prodigado trabajando tanto para cantantes pop (Céline Dion, Shania Twain, Thalía…) como para grupos heavy (Korn, Nightwish, Apocalyptica…). Jokinen lleva además una década rodando sus proyectos ficcionales en Finlandia, tras fracasar en Hollywood con su primer largo, La víctima perfecta (2011), donde dirigió a Hillary Swank.

Helene narra con tacto y tino una historia verídica: el particular romance vivido entre 1915 y 1923 por Schjerfbeck (Laura Birn) y el coleccionista de arte y pintor Einar Reuter (Johannes Holopainen), diecinueve años menor que ella. Hay sutileza y sensibilidad en la recreación de unas convenciones sociales cuyo opresivo poso, aunque menos afilado y amargo, de algún modo recuerda al de películas como La edad de la inocencia (Martin Scorsese, 1993).

Sin embargo, falta profundidad en una historia de gran calibre. No ayuda, por ejemplo, un defectuoso empleo de la música: es patente el desequilibrio entre las composiciones de Bach, Vivaldi, Debussy, Satie… y sus irregulares interpretaciones, que restan fuerza y tensión interna al conjunto.

El guión de Jokinen y Marko Leino deja constancia de la injusta desventaja profesional, social y familiar de Schjerfbeck como artista, pero no enfatiza el comprensible discurso dignificante, para ocuparse de lo esencial: la pintora, su arte y la relación con Reuter, afrontada sin escabrosidades y entre sus resquicios interiores.

Hay particular solvencia en parte de los equipos artístico y técnico. Los actores modelan la penetrante media voz del relato, destacando la depurada intensidad contenida y matizada composición de Laura Birn como Schjerfbeck.

La dirección artística en interiores, el vestuario, el maquillaje… refuerzan la solidez visual de la película, culminada por la excelsa fotografía de Rauno Ronkainen. Gracias a su inspirada labor, el filme está impregnado de una coherente, natural y luminosa atmósfera pictórica, más acorde con el naturalismo pictórico escandinavo o la inefable quietud de Vermeer, que con las introspectivas evoluciones estéticas de Schjerfbeck.

Aun así, Helene dedica mucho tiempo a recrear la evolución artística de la pintora; desde un costumbrismo academicista afín al de Maria Wiik o Carl Larsson, a un expresionismo cercano al de Edvard Munch, los gruesos trazos del estilo simbolista de Akseli Gallen-Kallela, etc.

Las frustraciones y desalientos creativos de la artista, simultáneos a graves problemas personales, se enmarcan en la búsqueda tenaz de una indagadora, que culminó su personalidad artística en la desnudez formal de definitorios cuadros ‘inacabados’. Ello es recreado en esmeradas secuencias dedicadas a la ardua labor pictórica ante lienzo y modelos, con espátula y pinceles sobre la paleta, haciendo incisiones sobre el paño…

Helene es un buen ejemplo del largo alcance, más formador y educativo que ideológico, del cine.